如何判定名家书画作品的优劣

根据作品的气韵、意境、格调来选优

“气韵”一词，为谢赫在１０００多年前首倡，并在其绘画“六法”中首推了“气韵生动”，后来也一直成为了鉴赏中国画的最高标准，虽然其内涵和注释在历代都有所变化，但“气韵”的实质应为大千世界中生生不息的万物内在的、有生命的本质和律韵。如简言之即是指“传神”的“神”，如俗言之也可为“活力”的“活”。

那么，画家怎样才能将画作表现得“气韵生动”，即传达出自然的神、生命的活力呢﹖我们可以换一个角度来看，“气”者，也可为画家的内在气质和气度，即体现他的胆魄、学识和修养；“韵”者，乃由“气”而发至画中的笔墨韵味和韵律，这可以通过绘画技法上的章法、笔法和墨法来体现。因此，“气韵”的内涵也是包括了反映画家绘画艺术的总体效果和水准的最高境界。

尽管笔与墨是互相依赖、相辅相成的，但是一般而言，气与用笔的关系较为密切，即笔主要用以取气，枯笔易生气，观用笔可评其“气”；而韵则与用墨的关系较为密切，即墨主要用以示韵，湿墨易生韵，品用墨可赏其“韵”。因此，也可以通过品察画中的运笔和用墨，来评价此画的“气韵”是否生动和艺术水准的雅俗高低了。

中国画为“意象”艺术，它旨在表现画家的主观“意”念，故有“写意”和“意在笔先”之说，古人云：“境生于象外”，像是指事物的外在表现形式，而“境”就应为象外之象了，因此“意境”的完成，最终必须应当由欣赏者通过积极地联想得以实现，也同样可以将“意境”通俗地理解为是由画家绘就的“景”，与欣赏者所发自内心的“情”，“情景交融”的完成的结果。

“气韵”虽然在形式技法上表现于笔墨特性，但若要深究下去，其实际上则体现出了画作的意境和格调，而后者是与人的主体精神密切有关的，即与画家和欣赏者的人格涵养是相关的，即画家的人格涵养愈高，其所绘就出来的作品的格调往往也就愈高；而欣赏者的人格涵养愈高，他就能够去欣赏和接受格调较高的作品。而若相反也应如是，即画家的人格涵养不高，其所绘就出来的作品的格调也就不可能高。同样，欣赏者的人格涵养不高，他也往往就只能去接受格调不高的作品，而不大可能去欣赏格调较高的作品。

由此可见，对格调的体悟往往要比对意境的欣赏更为不易，因此只有能够深入到绘画最精髓处的真正的懂画者，才能够深悟画中格调的三味。

因此，书画爱好者应当通过努力去熟悉笔墨的特性，进而了解画作创作者功力的深浅；并通过努力，去提高自己的人格涵养，以期能够对优秀的画作进行积极地联想，正确的品评作品的格调，最终选择那些“气韵生动”、“意境深邃”和“格调高雅”的书画作品进行投资和收藏。

根据作品的造型、构图、设色来选优

１、造型和变型

由于中国画的本质是一种借物象而寄情舒怀的艺术，即通常所说的“写意”画，因此其造型、尤其是变型是否合理显得格外的重要，南齐谢赫在其《古画品录》里提出的“六法论”中的“应物象形”一项，即是指中国画在表达主观意念时，强调并不应当走到完全摒弃客观的极端自我中去，即使于文人画最不讲究形似的时候，也是“寄情于物”，而不是一概的脱离具体对象去抽象的描写。

此外，国画大师齐白石又一再地强调：“作画妙在似与不似之间，太似为媚俗，不似为欺世”。因此，一位在艺术上有造诣的画家，往往一方面在写出自身主观意趣的同时，另一方面在具体描绘物象时，并不会去面面俱到地刻画出其所有的细节，而是会有意识地去仅写其最能反映出自己想表达意念的主要部分，即取其大意，甚至进行合理的变型，“源于生活，高于生活”，以期在艺术上更好地达到中国画造型“不求形似，但求神似”的至高追求。

２、章法构图

此即为谢赫在其《古画品录》里提出的著名“六法论”中的“经营位置”一项，即要

求章法构图必须严谨，不能草率从事。国画大师潘天寿先生对此曾经精辟地论述道：“画事之布置，须注意画面内之安排，有主客，有配合，有虚实，有疏密，有高低上下，有纵横曲折，然尤须注意于画面之四边四角，使与画外之画材相关联，气势相承接，自能得趣于画外矣。”

而如果一旦在章法构图上出现了毛病，那么不仅不可能达到气韵生动的佳境，而且也就不得不以画败了而告终。在此，特录元代饶自然于“山水家法”中所指出的在构图方面的“绘宗十二忌”如下，以备书画爱好者在评价山水画构图的优劣时之需。此十二忌为：１　布置迫塞，２　远近不分，３　山无气脉，４　水无源流，５　境无险夷，６　路无出入，７　石止一面，８　树少四枝，９　人物伛偻，１０　楼阁错杂，１１　淡先宜，１２　点染无法。

３、设色

谢赫在其著名的“六法论”中也提出了“随类赋色”之说，即国画与西画在运用色彩的观点上有所不同，国画不需要研究和反映色彩与光感之间的关系。不过，尽管国画只表现物体永恒的本色，但是却对色彩的浓度、深淡关系，配色的主次关系，统调关系，对比关系，比例关系的要求相当考究，如果处理不好，往往就会使得画面显得十分的庸俗。

著名工笔花鸟画大师陈之佛先生在其《就花鸟画的构图和设色来谈形式美》一文中，针对花鸟画的配色时经常会易犯的毛病，作过透彻的阐述：

“枯”——枯是色彩干枯失神，黯淡而无生气，主要是用淡色而不显彩色，自然神气全无。

“火”——火是色彩对比过于强烈，产生了强烈的刺激性，令人起不愉快的感觉。

“俗”——俗的原因，大半也是由于对比处理不当所致，不研究色彩本身的出纯度，任意配合，往往产生恶俗的色调，如浓艳的色彩，处理不当时更为显著。

“主辅不分，交错凌乱”——这是色彩主次关系问题。一幅画上必须有它的中心色，以一色为主，使其他一切色彩倾向于主色而取得协调时，才生美感，如果主次不分，任意着色，必然造成画面上色彩的混乱现象。

“深浅模糊，平淡无味”——画面上色调过于统一，缺乏变化，尤其取用同浓度色的配色而起同化作用，必然变得平淡乏味，有色等于无色了。

而著名山水画大师钱松先生，其作品中的设色往往是随画境而定，于每幅画中均能达到重而不滞、艳而不俗，既有对比又不显刺目，又有统一但不觉单调的效果。可以说他是当代国画家中能够将设色处理得恰到好处的典范之一。（下）