元 黄公望 《丹崖玉树图》 101.3cm×43.8cm 中国画

　　8月17日，本报B3版《国画写生 重再现而未得心源？》一文见报后，引起了强烈的反响，不少业内人士认为写生自古以来是中国画的生命，重视写生对现当代画家来说依然非常重要。然而，著名国画家石齐却对当代写生表达了不同的观点，他认为当今只能起到再现作用的写生会抹杀画家的想象力，对国画创作而言，弊远大于利。因此，画家不必将写生看得很重要。

　　那么，千百年来以“师造化、得心源”为宗旨的写生对今天的国画创作来说当真是可有可无，或会扼杀画家的想象力吗？我们听听业界专家的说法。

　　画家、艺术评论家 梁江——

　　写生有助于


　　激发想象获取灵感

　　在我看来，认为当代国画创作中写生不重要甚至没必要的观点源于误读——将写生当成是对自然的纯技术性复制、模仿，其实是一种比较肤浅的认知。事实上，从根本上讲写生是态度问题，它不仅不会扼杀想象，反而是激发想象、培养艺术敏感的有效途径，可谓国画创作的立足点。

　　我们都知道，人和自然的关系，不是技术性的，而是精神性、情感化的。如果画家对自然没有真实的观察和感悟，其作品不会充塞丰富的激情，也就不可能打动观者。这里所说的自然范围很宽泛，包括客观的大千世界和社会人生。因此，写生说到底是画家对待自然、社会的态度。即使画面的表现形式并非写实，也仍然需要写生。西方现代派这样的例子很多：毕加索的作品，大部分是经过画室里的写生再变形转化而成的；高更到了塔希提岛，深入到原始民族当中体验生活，便觉得以前所有的艺术都不如这种原始民俗那么真切、美好，这样的浸淫其中也是一种写生。

　　另外，想象力必须建立在见多识广的基础上，即所谓“有感而发”，就如石涛所说的“搜尽奇峰打草稿”，唯有不断地走、不断地看，才能把不同山体在不同时节的气势、面貌了然于胸，才能创作出想象充沛、超凡入圣的作品。如果一位画家天天枯坐斗室之中，能画得出什么气势磅礴的山水来？就像西游记的天马行空，也是有社会生活、各种动物作为依托的。正是因为人类有想象力，才更需要画家面向自然、汲取灵感。自然、社会、人生的丰富性经常出人意表，艺术家通过实际的观察和体悟，反而能够弥补想象力的贫乏，激发新的创作热情。

　　假如画家一写生就会落入实相，被自然困囿住，那只能说这个画家对写生的方法掌握不够好，无法发挥个人的创造力，感悟不到鲜活、灵动的生命状态。这样的画家应该怀疑自己的眼睛，追问自己的审察力，而不是否定、贬低写生。

　　有才华、有成就的画家，都是从写生、从大自然中获取创作源泉的。但我们应注意别把写生的功能单一化、意义简单化。其实随着画家个人修养的提高，写生有着不同的意味，完全可以各取所需。

　　国画家 石齐——

　　当代写生落入实相 固化思维抹杀想象

　　当代国画家热衷于写生，有一点意义是——通过描形摹状，积累下了某些方面的创作素材或元素。但写生的局限性也很明显：特别容易将画家活泼泼、天真真的想象给抹杀掉了。因此，我以为，当代国画要发展，实在不必重视写生，更不应该将写生当成国画家必备的基本功。

　　譬如画梅花，在画家没有进行写生之前，依照以前见过的印象，依照书本中的描述，脑海中会浮现一个影像——梅花是红色的，躯干像龙一样虬曲，充满韵味，一旦实打实地去画某一株梅花，那所见就刻板、简单得多了。而且，思维也容易被固化，回来再拿笔，虽然技术上可能会有进步，画得更精细，却不敢再想入非非，也就很难画出龙飞凤舞的枝干了。而中国画向来都是以智慧作画、理念作画，过于真实其实就是死板，缺乏生气。

　　古人也有所谓写生，讲究的是卧游、默记、默写。因为古代画家多为文人、学者，既可出口成章，又善于体悟。他们游山玩水间，将自己的灵魂和景物融为一体，然后出而为画。因此，即便他们笔下的山水是亲眼所见，也不会跟自然界一般无二，自有个人的格局和风骨。当代国画家已基本没有这样的文化修养了，大多数人的写生，就是到一个地方按部就班地对景描摹，一下笔就落入实相中。所以，当代中国画要发展，实在不必重视写生。画人物画，如果手部不够准确，找一个人来对照一下倒也无妨，但想象中的一只手，一定比真实的手更美、更有艺术味。

　　我们也可以看看西方，他们的现当代画家，越伟大的越不会在写生上花力气、下功夫，譬如马蒂斯、米罗、波洛克。再往前推的印象派，莫奈他们画的也是光、是色、是瞬间的感觉，已经离开了具象的范畴。人家抛弃的，我们不能还甘之如饴，拿来做当代国画发展的基础；否则绘画技术虽然训练得还不错，却把国画的精神核心给丢弃了，对推动国画进步毫无助益。

　　我想，当代国画家努力增进个人文化修养、笔墨的书写性，增进自己的想象力和创作中的玩性，才是冲出西方艺术包围圈，独展国画面貌的有效途径。

　　国画家 庄小尖——

　　绝对抽象的创作是无根之木

　　对国画创作来说，写生是画家收集形象、进入当下状态的一种手段，非常有意义。当然，也有很多人简单地将写生当成拿着笔对着对象进行再现式描摹，因此，便产生了一些反对意见。其实，写生可以分成三个层面来理解。

　　从直观、简单的角度来讲，写生是用笔和纸将具体的对象百分百真实地描摹下来，这种写生在西洋画中是普遍、正常的，在引进西方理论和教育体系后，中国画有一个时期也是如此；但就传统中国画而言，最高层次的写生，画家未必要动手，而是从精神层面上去感知对象，找到更内在的、实质的，属于精神和气息的体验。为什么古代画家喜欢行万里路，却很少随身携带纸和笔？原因就在于此。他们看重的是吸收天地日月精华，内化到自己的生命感觉里，这个层面切合的是中国传统文化中一直强调的“道”，因此有天马行空的能力，归家再整理腹稿也不迟。

　　以上可谓是国画写生的两极，但在这两者中间，其实还有另一个层面的写生——画家虽然也带着纸张笔墨，也会坐下来对景描摹，不过在此过程中，他不会完全被对象牵着鼻子走，依样画葫芦，而是发挥主观能动性，根据自己的需要，有选择地写生，这恰恰体现了中国画散点透视的格物方式。

　　而无论哪一种层次的写生，在我看来，都有其积极的意义和作用，采用何种方式取决于画家本身的创作状态和达到的高度。如果画家还处在技术探索层面，那最好是带着笔、墨、纸、砚，老老实实地去画；如果画家已经达到八大山人那样的境界，那只需要带着眼睛去看、去感知，回来便能够画出翻白眼的鱼或鸟。不过，我想大多数的画家可能都还没走到最高层次，只能在写生中兼顾主、客观。如果完全脱离对象，追求所谓的想象力、创造力，我想已经不属于中国画的范畴了，应该是实验水墨之类的表达了。再说，完全不用写生、绝对抽象的创作，在我看来，多数是没有来历的无根之木，只能在视觉上骗一下观众而已。

　　虽然西方油画发展到现当代，确实对东方传统艺术精神多有借鉴，但像米罗和马蒂斯的作品，形式上看起来抽象，骨子里却还是有所指的，并非空穴来风。况且，中西方的文化背景截然不同，就像咖啡和茶，有着本质的区别，没有什么比较的实在意义。

　　国画家 卢延光——

　　缺乏写生的想象不过是乱写乱画

　　写生让国画家懂得山的状貌、人的形体、花鸟虫鱼的基本形态，掌握大自然的规律，因此是必须的，是画家创造的前提和基础；否则，乱写乱画，只能叫不着边际，跟想象力其实没有一点关系。

　　从元朝开始，中国画家就开始注重写生了，像黄公望就是通过不断写生，才取得了那么伟大的成就，影响了后世那么多画家。岭南画派一向强调写生，这是一个非常好的传统。我自己的写生基础，便是在很小的时候就打下了。十五六岁时，我每天外出，见到树木、山石，房屋、亭台，有啥画啥，一天画六十张速写，很是疯狂。

　　因此，在我看来，写生到了一定阶段，已经内化到画家的血液里，对各种对象都可以运用自如、信手拈来时，就没必要再孜孜不倦地写了。这时画家完全可以根据自己脑海中的想象和构思，将成竹在胸的物象重新调配安排、抒写心志。所以，写生是想象力和创造力的来源，让画家更自由。

　　当然，国画的学习创新，单靠写生还不行，必须懂得古人是怎么做的。研究古人就是研究中国画的根本，根本弄懂了，就不会被古人困住，才能从自己的机杼中出来。所谓“外师造化，中得心源”，就是写生和学习古人要齐头并进，然后形成自己的风格。

　　其实，所谓西方绘画不再重视写生，只是一知半解之论。西方现在已经走到了当代艺术那边，当代艺术的媒介主要是装置、行为艺术等，绘画不是最重要的形式，也就不必强调写生了。但西方绘画并没有被艺术界抛弃掉，很多画家仍然在画水彩、油画，也仍然很注重写生。其实，美术的功用是多样的，不能因为有了当代艺术，就否认绘画，否认写生，这只是领域之别。国外的老百姓喜欢当代艺术，也喜欢古典的作品，还喜欢后期印象派等不同流派，多元才是丰富，才能更好地激发想象力。

　　当代中国画家和理论家，有时候太喜欢走极端，要么认定当代的、西方的理论就是好的，要么认为只有古人的东西才最正确，这是亟需正本清源、矫枉过正的思维模式。

黎雄才 《三门峡工地之九》 40cm×31cm 中国画