很少看到一场展览真正地描述当代艺术实践发展的趋势、以及它与过去的关系。我想这大概是所有群展的共同目标,但是要将每一个点联系起来、形成一个紧密结合的整体并不像听上去那么容易。近日在Silverman画廊开幕的群展“Forms and Inflections”就为当代艺术家(参展艺术家大多很年轻)构想了一个很有趣的情况,它把上世纪60和70年代极简艺术与欧普艺术的体系扩展到了概念艺术的范畴中。共有7位当代艺术家参加了这场群展,分别是克里斯托弗(Christopher Badger)、梅斯(Aspen Mays)、Hayal Pozanti、弗洛里安与迈克尔(Florian and Michael Quistrebert)、肖恩(Sean Raspet)、休斯·科特·道格拉斯(Hugh Scott Douglas)以及斯坦利(Stanley Brouwn)。他们采用了多种创作媒介,每件作品的视觉效果相互影响,然后聚集起来强调了一些特定的主题,这就是这场展览最强大的能量。
这场展览的中心主题可以在其新闻稿的最后几句话中找到:“展出作品曾被认为是具有颠覆性的,在形式上也很吸引人。比起规则性的吸引力,这些展出作品更多表现了规则的破裂。”上世纪60和70年代的极简主义艺术家试图找到受严格的体系与模式决定的纯形式,而这次的展出作品则聪明地处理了这些美学与历史上的先例,使它们充分融入到整个画廊的环境中。在展览中,有的艺术家倾向于通过突出形式和进行材料试验来表现这种规则的“破裂”,而另一些则将可视现象用来比喻其它类型的失败。
此外,“Forms and Inflections”清楚地表现了6、70年代艺术大师与当今年轻艺术家之间的联系。最终,它为我们留下了一个还没有回答的问题:我们对数字时代的依赖将会如何影响艺术实践?