“如果他只是用样式来维系传统，那么这名陶瓷艺术家的艺术生命早就死亡了。”清华大学美术学院讲师、当代陶瓷艺术家白明说。最近，他在法国做了一个名为“瓷语东方”的主题展览，国际陶艺协会的负责人评价他的作品风格为“东方新古典”。

　　“这里的‘古典’指的是审美精神，‘新’指的是样式。只有传承了中国古代的审美精神，才是对传统瓷器最伟大的感恩。”白明还解释道，这种精神上的传承，在瓷器上是看不到具体痕迹的。相比之下，国内陶瓷产区艺人则会强调，“我的作品特别像明代的，特别像清代的，看这，看那……”

　　白明认为，如果只按样式来传承，做出的陶瓷则会永远遵循一个模式，“那还叫做传承吗?”要知道，唐代的瓷器就已经很漂亮了，那宋代的为什么没跟唐代的一样?同理，明清两代的瓷器，也跟前朝有很多不同点。“产区艺人把样式当作了迷恋的对象，加上他们师傅带徒弟的传承方式，造成了审美的单一，会让人产生审美疲劳。”白明介绍，有些产区艺人认为中国陶瓷是世界第一，他所在的产区又是中国第一，所以就觉得他们的作品就是世界第一。实际上，他们没有从国际视野上做客观判断，得出的结论是国际上不认同的。

　　与之相反，国内许多当代艺术家只是在追寻国外大师的脚步，已经放弃了对传统的了解和认同，很少有人关注陶瓷的当代性创造，要么只是将绘画简单地移植到瓷器上，要么只是出一个观念让工人去做，没有将陶瓷当作一个新的艺术生命去转换创作方式。而白明认为，人们通常认为只是把玩式的陶瓷，也是可以进入当代艺术空间中的。“当代性有多种途径，我们其实可以不走极端，或是搞破坏，可以做温和性的转换。”

　　在白明的实践中，这种温和性体现出来的是一种和谐和圆润。他指出，传统的陶瓷和水墨画都有一个共同的弱点：经不起远视。比如，在案头上看水墨画上的水渍、墨色，会觉得很精妙，但距离一拉开，立体感就显得弱了。正因为这样，中国传统陶瓷需要细品，而这种细品又会让你着迷，从而会忽略立体感和力量感方面的不足。

　　早在1994年，白明就做了名叫《生生不息》的作品，弥补了传统瓷器在立体感上的不足，使得作品显得和谐和圆润。他模仿的是藤蔓自由生长的场景，但却没有把叶子展现出来。“我觉得线条本身就很美，所以就把线条从现实中彻底抽离出来，变成线和点的结构，形成一种单纯的美感。”白明说，由于自己下笔的着眼点是空间，所以无论从哪一个角度去看，都不会妨碍这件作品的美感。而且大家会发现，其实每一根线条都不一样，虽有意象的均衡，却没有绝对的平衡。“由于和器型融合，所以有审美上的安静感，这就是中国传统的审美精神。但它又没有完全的对称，那样会显得陈腐而不够生动。要知道，许多古代瓷器都是给皇帝用的礼器，必须要显得威严。而我的作品，是去展现一种活的静美，强调的是装饰性。”

　　再如那件《青云蔓绕》，表现的是热带植物的大叶舒展、蓬勃的意象。白明没有将叶子“埋葬”在枝干中，那样就太写实了，而是把枝干简单化处理，将叶子的线条构造得有舞蹈、摇曳的感觉，传递了叶子生长的生机感。作品最大的特点是用了大面积的青花晕染，既浓重又滋润如玉，远看清爽，近看又不粗糙。有点像泼墨画，却又比它更精细。

　　最近，白明还创作了一件《红苇颂》。由于从小住在鄱阳湖边，芦苇是他特别熟悉的事物。他很喜欢在安静的早晨或夜晚，去观察芦苇自然舒展时的经典形态。因此，他的这件作品忽略了枝叶的浓密感，只用几根线条勾勒枝叶，突出了芦花见风摇曳的飘逸。此外，由于釉里红的粗细不同，芦花有不同的形态，显得十分浪漫。

　　白明认为，他的实践表明，陶瓷的当代性是可以在器型、釉色等传统陶瓷艺术语言体系中表现出来的。所以，国外专家会认为，他的作品跟传统瓷器不一样，但是很中国，不是日本、韩国的。

　　恰恰相反，陶瓷产区的艺人却有不同判断，认为他的作品太当代了，不是传统了。“这种反差，又是合理的。如果产区艺人说我很传统，那我就很不成功了。毕竟，产区的作品离真正的传统很远。”白明说，把这两者加在一起，大家自然就可以做判断了。他相信，再过几年，像他的作品一样的中国当代陶瓷作品，就不再会和产区艺人的陶瓷作品混合在一起，并称为中国当代陶瓷，而是将分开出现在拍卖市场上。“就像拍卖市场上的当代油画一样，拍卖市场上的当代陶瓷将来可以更符合它的学术定义。”

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