然而这的的确确是摄影作品，只不过布鲁埃在创作这些充满质感的相片时，用的不是照相机和胶片，而是用火燃烧照相纸，用化学试剂调出各种色彩。这种做法一度在19世纪非常盛行，今天又得以复兴。如今越来越多的摄影家开始摒弃具象摄影，形成一股抽象摄影的潮流，广受欢迎。

　　近期的一些摄影展，宣告了抽象摄影潮的强大力量。去年秋天，曼哈顿的冯·林特尔画廊(Von Lintel Gallery)为布鲁埃举行了一个小型回顾展，展示了他探索感光材料的全历程;而街对面的米高·亚伯画廊(Miguel Abreu Gallery)，则在展出艾琳·昆兰(Eileen Quinlan)对于抽象摄影的另一种诠释——用近距离模糊焦距拍摄被镜子与光割裂的空间。与此同时，其他抽象摄影师的作品还相继在洛杉矶、多伦多，乃至3月即将开幕的美国惠特尼双年展(Whitney Biennial)中展出。

　　抽象摄影为何会复兴?随着摄影的真实性一再被高科技所践踏，摄影艺术家们或许是从100多年前的早期摄影中重新找到了这门艺术的意义。布鲁埃说：“19世纪的摄影最有趣之处，就在于它还未被程式化。30年前，8×10的黑白照片是摄影作品的默认格式，今天这个格式则变成了30×40的彩照。”

　　正是厌倦了这种程式，今天的人们开始追求最最原始的大尺幅摄影作品。而繁复的后期制作、创作过程中的随机性，也深深吸引着那些追求革新的摄影师们。这种以极端的方式撕裂传统的做法，似乎是艺术家之所长。不仅仅是摄影，不仅仅是抽象，甚至可以从上世纪六七十年代的西方艺术运动中找到根源。

　　而在这一次抽象摄影潮中，布鲁埃可能是最极端的。他完全抛弃了摄像机，直接在暗房中创作，或者说是“实验”。2005年，他把实验对象设定为胶彩版(Gum-bichromate print)。通常在呈现彩色影像时，胶彩版通过慢慢积聚一层又一层的感光乳剂来呈像。而布鲁埃却想出用小型磨砂机磨损乳剂的点子。最后产生了意想不到的效果，作品看起来就像一圈又一圈霉菌散布在照片表面，并互相交织形成变幻丰富的色调。

　　与布鲁埃相反，昆兰没有留恋于暗房中的技巧，而是把心思用于精心布置镜头前的各种物体和光线，再把照片中的细节放大到几乎难以辨认。她的代表作《烟与镜》(Smoke and Mirrors)似乎刻意在营造错觉。镜子反射平面、烟雾折射光线、强烈的色彩、倾斜的角度，形成了昆兰独特的风格。

　　罗杰·牛顿(Roger Newton)则比昆兰更进一步。他直接透过装满水、油、或果汁的杯子拍摄大自然，形成一种超现实感的扭曲的世界。最近他还为相机装上了一个钻石镜头，拍摄出一种星云状的效果。如此一来，镜头不再只是摄影的工具，也成为了摄影的对象。

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