我们往往被自己的视觉所欺骗，而对这种欺骗不倦追求的是法国摄影大师，乔治·罗塞（Georges·Rousse）。这位出生在20世纪40年代中期的摄影艺术家和他同时代的其他摄影艺术家不同的是他喜欢经过自己设局后的拍摄。从摄影历史发展来看，这种置景摄影的拍摄可以追溯到人像和景物的拍摄，像曼·雷，爱德华·韦斯顿，从他们的摄影里我们可以看出，在人像和景物拍摄前都经过了摆设和设置。与乔治·罗塞同时期的摄影艺术家如波尼特爱丽斯和博那德·帕斯也喜欢用错觉的诡计来进行摄影游戏。但是，如果说前两位摄影艺术家是对在大自然中的错觉探索的话，那么乔治·罗塞所做的就是对于建筑空间的矛盾探索。

　　欧洲上世纪六七十年代正是战后经济复苏并得到迅速发展后的质疑期，发展后留存有大量空旷、废弃的建筑。仓库，它们和现代的建筑、城市并存。作为一个有敏锐直觉的摄影艺术家也许已不满足于纪实的拍摄了。在摄影访谈里，他说道，“我每天穿梭在兴建的新的建筑里，有些是经历过战争，在城市的规划中变成了仓库，有些是被遗弃的建筑，曾先后被当作办公室、屠斩场和医院，我就把这个地方当作工作室，把这里涂上各种颜色再拍下来。”他每天早上带着颜料、摄像机到他的工作室，就在墙上工作起来。

　　乔治·罗塞一开始在墙上绘画各种人物，为的是让人和空间融合。后来，他创造了各种形象的雕塑融合在空间里，之后他又用油漆创造了各种透明的不同的形象。为了拍一张摄影作品，乔治·罗塞在拍摄之前要做大量的工作，在同一个空间里，由于拍摄光线的变化需要制定一个拍摄计划，在小稿里要标出时间角度，再按照计划进行工作，重复运用空间里的各种要数。为拍摄一张摄影他需要把空间重新改装，有时候是把墙掏空来扩大他要的空间，有时候是把墙按他的意图涂抹成深色形成平面，为了使空间变得自由，他在原有的空间里又创造了一个圆圈，大圆里面有小圆，同时两个源泉组成了一个中心，像是眼睛又象征是眼镜。

　　在乔治·罗塞的摄影作品里我们被这些错觉的视觉所迷惑。某些作品让人进入一个无限的世界，穿透空间里的墙，就会解构这个空间，可以看见一个单独的形象穿透这道墙、很多道墙甚至几百道墙，最后成为无限；另一些作品更为复杂，在墙上涂写各种文字；还有的是把六面墙涂成红色，他说是象征光。

　　在他的作品里，空间、文字、形状和颜色成了他创造他内心世界的元素。一个他设置的虚幻世界融合在现实的空间里。他向世人提出的问题也许是：究竟现实是真实的还是内心是真实的？他的摄影足迹从欧洲跨越到了世界各地，那些历史和社会遗留下来的建筑和空间仿佛成了他追问现代和过去的实体，而他孜孜不倦地用制景摄影这个手段，成了把内心的真实投射在虚幻的建筑里的见证。正像他在意大利时拍摄时说的一句话，“光，太阳光，可以照亮一切，所以我要把墙都涂成红色，在意大利，红色象征泥土。”

　　乔治·罗塞每到一个地方拍摄的作品就用那个地方作为作品的名称。从他上世纪70年代到现在大约30年间，这种继续成了他追求光明和真实的精神。90年代后期世界在西方观念的影响下逐渐进入后现代，作为观念的先导，艺术正以它特有的方式解构着以前的观念，错觉摄影也成为后现代艺术的表达方式，在乔治·罗塞这里成为向这个变迁的社会、不稳定的建筑的质问。

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